las cuentas de la industria musical
- beatboothcat
- 29 may 2020
- 7 Min. de lectura
Actualizado: 8 jun 2020
JUDIT BUDÓ, JORDI CANYELLAS, ALBA CARNICÉ y AMANDA GARCÍA
Ya lo dijo Rosalía, “Dios Nos Libre del Dinero”, un día quieres ser millonaria y al día siguiente quemarlo todo, ¡Fucking money man! Pero este dato es muy puntual, ya que no todos los artistas se bañan en dinero por lo complicado que es llegar a la cumbre. Ella es [lm1] el claro ejemplo del poder de la industria musical: una chica de un pequeño pueblo como Sant Esteve Sesrovires tocando el cielo. Con esto no queremos decir que la barcelonesa no se lo haya currado, eso está más que claro, pero su estrellato es un reflejo de la “music business”. Este modelo de negocio es un rompecabezas: entrevistas, contratos discográficos, festivales, conciertos, videos musicales, el streaming, etc. Y aquí echamos un vistazo a estas cuentas de la Industria.
NO ES FÁCIL ENTRAR
La industria musical genera unos 10 mil millones de libras al año, según UK Music, lo que suena muy bien hasta que te das cuenta que es un tercio de los ingresos que obtenía hace dos décadas. Una razón importante de esto es la entrada de Internet. A pesar de que los sitios web ofrecen la oportunidad de disfrutar de más música a través del streaming, ha significado que se gaste menos dinero en ventas de álbumes más rentables. Esto dificulta que un artista musical entre en el negocio, y aquí algunas razones más:
1. Es más barato y fácil grabar
Cualquiera con un ordenador y un mínimo de equipo complementario puede grabar un álbum con sonido profesional en su dormitorio. Dominar esas herramientas es, por supuesto, una historia diferente, pero los últimos diez años han demostrado que son muchos los que están dispuestos a dedicar el tiempo y el esfuerzo necesarios para hacerlo. El acceso a la creación de un álbum de alta calidad ya no está cerrado tras las carísimas puertas de los estudios de grabación, lo que significa que más gente puede sacar su trabajo al mundo, lo que significa..
2. Hay más competencia.
El mercado está inundado. ¿Cómo te haces notar en el mundo de la música, o consigues una buena fanbase necesaria para hacer que los de arriba se den cuenta, cuando hay tantos artistas que se merecen lo mismo que tú y estáis haciendo algo muy similar?
3. Hay menos ingresos por la venta de música.
Con la gente comprando menos música, simplemente hay menos dinero para que los artistas la produzcan. Los servicios de streaming y otras fuentes de ingresos aún no han llenado ese vacío, lo que significa que ser músico no es tan lucrativo como solía ser.
4. Se está invirtiendo menos dinero en los artistas.
Menos dinero significa que hay menos disponible para invertir en nuevos talentos, simple y claro. Siempre habrá historias de éxito de artistas que se hicieron famosos por sus propios méritos, pero para la mayoría de las bandas se necesita un pequeño empujón para alcanzar el nivel de éxito donde la estabilidad económica sea posible.
Crowdfunding
El crowdfunding - que utiliza Internet para ayudar a los emprendedores a llegar a potenciales financiadores - ofrece un apoyo ideal para que los nuevos artistas recauden dinero.
Los amantes de la música pueden proporcionar apoyo financiero a un artista y a cambio disfrutar de recompensas únicas - desde música y álbumes firmados hasta conciertos VIP, créditos en los álbumes y espectáculos "gratuitos".
El dinero donado se utiliza para apoyar a la banda, pagándoles para que sobrevivan como músicos y ayudando a financiar las giras y, con suerte, a lanzar los álbumes.
Los sitios web de crowdfunding incluyen a PledgeMusic, que ayuda a 1.200 músicos al año a recaudar fondos y cobra una comisión del 15% por usar el servicio.
El crowdfunding no está regulado. Una vez que inviertes no puedes pedir que te devuelvan el dinero si no te gusta cómo se gasta. Tampoco puedes vender tu participación a otro fan de la música.
LA CRUDA REALIDAD DEL STREAMING
Y es que a los artistas les cuesta ganar su dinero mientras que a las plataformas de streaming también les cuesta soltar el suyo para pagarles. Diferentes artistas han hablado sobre lo que cobran por su música en una plataforma como Spotify, como Pepe Herrero, compositor y guitarrista de Stravaganzza: “Yo obtengo 50 euros al año por millones de reproducciones y ni os podéis imaginar lo terroríficamente difícil que es lograr una carrera musical en la que llegues a conseguir tantas reproducciones y seguidores en todo el mundo”. El modelo de negocio de Spotify no es para nada deseable para los artistas como Taylor Swift, la gran enemiga de las plataformas de streaming, que afirmó que, cuando estaba en Spotify, sentía que con su música podían hacer lo que quisieran.
Los derechos de Taylow Swift
Cuando Taylor Swift habla, el mundo escucha. La cantante mantiene una relación de amor-odio con el streaming. Spotify y Apple Music son algunas de las grandes plataformas con las que Taylor ha tenido alguna encrucijada. La cantante afirma que “las plataformas de Streaming no compensan justamente a los artistas”.
A pesar de esta guerra fría, la repercusión de Taylor logró que se reconocieran más derechos en dichas plataformas.
Por otro lado, Youtube es una de las plataformas menos rentable que existen, aunque las llamadas Influencers quieran vender lo contrario. Es asombroso la cantidad de artículos en Google dónde hablan sobre “cómo ganar dinero y hacerse famoso en Youtube”, cuando la cruda realidad es que, para ganar, por ejemplo, 1500 dólares necesitas, AL MENOS, ¡unas 2.131.913 reproducciones mensuales!
En cambio, hay plataformas de streaming desconocidas, como es el caso de TIDAL. Esta es una plataforma de música creada directamente por artistas como Beyoncé, Madonna o Jay – Z. TIDAL fue la forma de responder de un grupo de grandes artistas a Spotify al entender que no retribuía bien sus canciones pese a los millones de descargas que cosechaban. En la actualidad cuenta con un catálogo de más de 60 millones de canciones y más de 240.000 vídeos. Esto la convierte en la segunda plataforma de música más rentable del mundo; para ganar 1500 dólares mensuales se necesitan 177.604 reproducciones mensuales. Nada que ver con Youtube.
Asimismo, Apple Music también encabeza el ‘top five’ de plataformas musicales. El servicio de Apple cuenta con alrededor de 40 millones de canciones además de tomar medidas para obtener más exclusivas que la competencia. En ganancias duplica a Spotify; se necesita 200.272 reproducciones mensuales para, digamos, un salario mediano.
Por lo tanto, si las plataformas de streaming ganan tanto dinero y pagan mucho menos de lo que deberían, ¿dónde van a parar los millones generados por el streaming?
La industria musical se ha transformada radicalmente en las últimas décadas; vinilo, disco compacto, casete, digital…. Internet contribuye a esta transformación a pasos gigantescos, pero la cuestión es si los futuros cambios apoyarán y protegerán a los que se dejan la piel para que esta industria funcione, los artistas.
Aunque el streaming está más popularizado, no quiere decir que sea la manera más eficaz y directa para generar ingresos a los artistas, por el camino nos encontramos diferentes intermediarios - empresas, colaboradores o agentes, managers, abogados - que también participan en el proceso de estos eventos y reducen la cantidad de ingresos del artista.
Aun así, a través de estos eventos es donde pueden conseguir mayores ganancias ya sea por la venta de entradas o otros bienes como merchandising. Así lo afirma Zach Bellas, músico y propietario de SMB Records, para Business Insider: "los artistas siempre han ganado la mayor parte de su dinero con presentaciones en vivo y giras". Lo que lleva a preguntarnos:¿Por qué es de esta manera hay más beneficios?. La respuesta va ligada con la cantidad de intermediarios que intervienen.
CUANTOS MENOS INTERMEDIARIOS, MÁS BENEFICIOS PARA EL ARTISTA
La situación es esta, nos encontramos con un perro que se muerde la cola. Joe Brooks, DJ y batería de Stray Foxes confiesa a This is Money en una entrevista: “Se trata más del número de nuevos oyentes que de los discos que se venden hoy en día, y si una banda atrae a suficientes fans entonces tendrá más demanda de conciertos en los que pueda ganar algo de dinero”. Repasamos las cuentas de algunos músicos tras una gira:
LA IMPORTANCIA DE LOS SELLOS
Las discográficas son (y siempre han sido) un agente de vital importancia en el panorama musical mundial. Se podría decir que son ellas quienes deciden qué va a sonar este verano, quién va a ser el próximo ídolo adolescente, o cuál es el mejor momento para sacar un álbum de “Grandes Éxitos” cuando la carrera de un artista está llegando a su fin.
Aunque en muchas ocasiones las discográficas son consideradas “las malas de la película”, por la clara posición de debilidad de los artistas respecto a estas, lo cierto es que son muchas las productoras pequeñas que arriesgan su capital por un artista.
De hecho, según la Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI), las discográficas invierten, de media, un 15,4% de sus ingresos en Investigación y Desarrollo, y se sitúan por delante de farmacéuticas, empresas de software y químicas en este aspecto.
Sin embargo, el I+D no es el único aspecto en el que las compañías deben invertir, puesto que tienen que apoyar en el márketing, la distribución, la grabación de material o durante las propias giras. La misma IFPI estima que lanzar un nuevo artista al panorama internacional conlleva una inversión de entre 500.000 y dos millones de dólares, y es el márketing el aspecto en el que estas invierten más dinero.
Aunque, como hemos mencionado antes, existen pequeños sellos discográficos que arriesgan su capital para atraer a artistas emergentes, también es cierto que hay tres enormes empresas que facturan miles de millones de dólares al año con este negocio. Sellos como Universal, Sony Music o Warner son multinacionales con más de 4.000 trabajadores alrededor del mundo, además de uno de los agentes con más poder dentro de la industria musical.
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